A composição desta pintura remete para a cena da Anunciação, desprovida da figura do do arcanjo São Gabriel. A Virgem sentada, encontra-se vestida com um manto azul adornado com estrelas douradas sobre uma túnica vermelha. Está representada a coser um pano branco enquanto lê um livro, que repousa num suporte à sua esquerda. Por cima do livro, um vaso com lírios brancos, símbolo da virgindade de Maria. A Virgem, posicionada contra um fundo inspirado na arquitetura renascentista, tem à sua direita, Deus Pai a segurar o Globo, rodeado por um grupo de anjos.

Durante o domínio colonial espanhol eram sobretudo executadas pinturas de temática religiosa, com o objetivo de envangelizar os povos indígenas. Os artistas locais reproduziam os modelos espanhóis, aderindo rigorosamente à sua iconografia[1]. Temas populares incluíam anjos harquebusier e Virgens.

No entanto, no século XVIII, com a gradual abertura política de algumas colónias, uma nova identidade artística surge. No México, esta transição foi influenciada por artistas europeus como Andrés de la Concha e Baltasar Echave, de Espanha, ou o pintor flamengo Simon Peyrens. A primeira geração de pintores barrocos nascidos no México, muitas vezes filhos destes mestres anteriores, recebia maioritariamente encomendas religiosas provenientes do clero.

Ovalle terá nascido na Cidade do México, nos últimos anos do século XVII. Depois de se ter casado, mudou-se para Zacatecas em 1723, e a sua primeira obra datada, A Imaculada Conceição de Guadalupe, foi concluída em 1736. Trabalhou em Durango e Zacatecas[2], e em 1747 mudou-se para Guadalupe, onde viveu até à sua morte, tendo produzido quinze pinturas sobre tela para a Ordem Franciscana desta localidade.

Ovalle, mais do que um mero executante de imagens religiosas, foi uma força criativa, facto evidenciado nesta pequena pintura. Existem traços pictóricos que definem o seu estilo único. As figuras exprimem emoções e sentimentos através da paleta escolhida e qualidade do traço, tornando-o singular no universo dos pintores barrocos[3].

Reconhecendo a expressividade da sua série Guadalupe, Francisco Monterde[4] comparou Ovalle a pintores consagrados como El Greco e aos surrealistas. Francisco de la Maza[5], referenciando as obras do tema da Paixão de Ovalle , descreveu o artista como “rebelde” e “revolucionário”, definindo-o como um “pintor apaixonado”.

Enquanto algumas das suas obras, como as da série da Paixão, apresentam tons intensos, linhas relativamente rígidas e contrastes marcados, a presente obra – assim como a Imaculada Conceição (1736) ou o Trânsito da Virgem, do Museu de Guadalupe – é composta por uma paleta predominantemente clara e estrutura-se numa composição mais ampla, efeito alcançado pela introdução de paisagens e fundos luminosos.

As diferenças espaciais e cromáticas entre os temas marianos e os da Paixão são deliberadas. A intencionalidade dos recursos plásticos utilizados na iconografia de Ovalle encontra paralelo nos mais importantes artistas europeus da época, fruto de um profundo conhecimento das suas obras, bem como das gravuras de Rubens e Wierix, cujo pintor soube manipular, acrescentando elementos e enfatizando determinados detalhes.

Embora a obra de Ovalle seja inseparável da pintura da Nova Espanha, com uma abordagem estilística paralela à europeia, devemos reconhecer a sua capacidade criativa num contexto de “rebeldia”, variando o estilo consoante a iconografia, sem recorrer a esquemas pré-estabelecidos, quer estilísticos quer temporais.

[1] Clara Bargellini, Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas, vol.23 n.78, Cidade do México, 2001

[2] Clara Bargellini, "Gabriel José de Ovalle, pintor en Durango y Zacatecas", in Transición, núm. 13, 1993, pp. 44-47

[3] Clara Bargellini, Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas, vol.23 n.78, Cidade do México, 2001

[4] Clara Bargellini, "Gabriel José de Ovalle, pintor en Durango y Zacatecas", in Transición, núm. 13, 1993, pp. 44-47

[5] Francisco Monterde, "La Pasión del pintor Gabriel de Ovalle", en El Hijo Pródigo, n. 3 1944, pp. 79 ss.